Die 25 besten Animationsfilme aller Zeiten

Die einzige Liste, auf der Buzz, Cartman und Batman Kontakte knüpfen würden.

Wie Toy Story 3 uns daran erinnert, warum wir überhaupt ins Kino gehen, hat IAPN Movies beschlossen, unsere bisherige Reihe von Zeichentrickfilmen in Spielfilmlänge zu ändern und Ihnen diese glänzende neue Liste von Filmen zur Genehmigung vorzulegen.
Wir haben unser Brain Trust von Filmfreaks versammelt und 25 der besten Filme des Genres zusammengestellt. Zu unseren Kriterien gehörten der Einfluss der Filme auf die Popkultur, die Qualität der Geschichte, das Vermächtnis, der Stil des Filmemachens und unsere Lieblingskarte „Get Out of Jail Free“, Editor's Choice.

Nachdem Sie unsere Favoriten gelesen haben, teilen Sie uns einige von Ihnen in den Kommentaren mit, zusammen mit den Filmen, die Sie lieben und die wir gerne getan hätten, aber nicht getan haben. (Es tut uns leid, Bebes Kinder Fans.)

Vor Batman beginnt , diese animierte Kinoveröffentlichung war die beste Leinwandgeschichte des Dunklen Ritters. Und einige Fans können immer noch argumentieren, dass es das Beste ist, was jemals gemacht wurde. Auch wenn wir dieses Argument vielleicht nicht selbst vorbringen, können wir verstehen, warum ein paar mutige Fanboys es tun würden.
Bruce Waynes Vergangenheit steht im Mittelpunkt, als Batman einen neuen Schurken im Block, Phantasm, davon abhalten muss, Gothams lokale Mob-Bevölkerung zu töten. Die Verbrechen und der Täter hängen mit Bruces erstem – und letztem – Schuss auf die wahre Liebe zusammen, einer Beziehung, für die er bereit war, die Kapuze aufzugeben, wenn es bedeutete, dass er glücklich sein könnte. Es ist also eine Komödie, ganz klar.

Tragödie und Batman sind dazu bestimmt, zusammen zu sein, und wenn Sie Mark Hamills Joker in die Mischung werfen, haben Sie eine der herzlichsten und dramatisch befriedigendsten Geschichten, die DC je erzählt hat. Das Phantasma ist eine große Nemesis, und die Enthüllung, wer sich hinter der Maske verbirgt, ist sowohl überraschend als auch gerechtfertigt. Der Höhepunkt, der auf einem verlassenen Gelände der Gotham World Fair spielt, ist wirklich episch und darüber hinaus höllisch brutal, dank Joker, der Batman zum Kampf seines Lebens herausfordert. Jeder Charakter, ob gut oder schlecht, ist durch ein Ereignis verbunden, das seine Vergangenheit nicht hätte vermeiden können. Der Film scheut sich nicht, die Konsequenzen dieses Ereignisses auszunutzen, insbesondere den Tribut, den es von Bruce fordert.

Mit seinen Filmen hat Nolan auf den Punkt gebracht, wer der Dunkle Ritter ist. Aber Phantasma habe es zuerst gemacht.

Fritz Langs Metropole ist einer der wahren Klassiker der Stummfilmzeit. Viele Jahrzehnte später das Metropole gilt heute als Klassiker unter den Animationsfilmen.

Dieser Film aus dem Jahr 2001 ist eine Adaption von Osamu Tezukas Manga-Serie, die selbst Langs Film adaptierte. Der Anime stellt einen Konflikt zwischen zwei gesellschaftlichen Klassen dar, bietet aber auch eine sehr persönliche Auseinandersetzung mit dem, was es bedeutet, ein Mensch zu sein. Metropole ist vollgepackt mit erstaunlichen Bildern und purer, ungezügelter Fantasie. Gibt es einen Stummfilm, der nicht durch den großzügigen Einsatz üppiger Animationen und japanischer Roboter verbessert werden kann? Neun Jahre später, Metropole kann sich durchaus gegen Klassiker wie z Akira und Geist in der Muschel .

Nicht die Nummer eins, sagst du? Walt Disneys ultimative Kreation? Sein Stück Widerstand? Das ist richtig, es ist nicht die Nummer eins in unserem Buch. Ja, Fantasie ist ziemlich cool, großartiges Zeug – ein Disney-Meisterwerk, sicher, und ein Meilenstein in der Animation und im Kino als Ganzes. Aber seien wir hier ehrlich … Es kann manchmal auch irgendwie langweilig sein, manchmal kitschig und hier oder da auf die schlimmste Art datiert (Diese verdammten Einhörner? Ernsthaft? Und Baby Einhörner?!).

Und doch gibt es für den Film, auch 70 Jahre nach seiner Veröffentlichung, immer noch so viel zu loben. Das episodische, meist nicht narrative Epos ist natürlich auf verschiedene Stücke klassischer Musik gesetzt, was zu Sequenzen wie dem Höhepunkt „Night on Bald Mountain“ (mit der fantastischen Dämonenkreatur Tschernabog) führt, die das Markenzeichen des Genres sind. Technisch unvergleichlich, mit Animationen, die immer noch zu den besten gehören, die je geschaffen wurden, ist der Film sollte viel weiter oben auf dieser Liste stehen. Aber diese verdammten Einhörner …

Mamoru Oshiis abendfüllender Film, adaptiert aus dem Manga von Masamune Shirow, trug dazu bei, ein riesiges, weltweites Franchise zu starten, das jetzt mehrere Fortsetzungen, ein paar Fernsehserien, Videospiele, Romane, Spielzeug und mehr umfasst. James Cameron hat es gelobt, die Wachowski-Brüder haben ihm einen großen Einfluss zugeschrieben Die Matrix und ein von Steven Spielberg produzierter Live-Action-Film ist derzeit in Arbeit.

Im Wesentlichen ein Krimi, der in der Zukunft spielt, stellte der Originalfilm von 1985 die Cyborg-Sicherheitsoffizierin Major Motoko Kusanagi auf der Spur eines kriminellen Hackers namens Puppet Master vor. Der Film erforscht so tiefe, existenzielle Themen wie die Natur der Identität und was uns zu Menschen macht.

Es enthält auch heiße nackte Küken. Also nimm davon, was du willst…

Wenn die Drehbuchautoren und Regisseure Wes Anderson und Noah Baumbach ihre einzigartigen Filmtalente vereinen, schaffen sie wohl ihr bestes Werk – trotz der Beschränkungen einer sehr lustigen Stop-Motion-Animation der alten Schule.

Fuchs , basierend auf dem Roman von Roald Dahl, zeigt George Clooney, der die Titelfigur ausspricht, einen Kolumnisten, der nicht widerstehen kann, zu seinen schlauen, hühnerstallräuberischen Wurzeln zurückzukehren, um seine Familie zu ernähren, als drei große Hühnerzüchter drohen, Fox niederzureißen und Haus der Freunde. Das Setup ist ziemlich einfach, aber der Inhalt und das Zusammenspiel zwischen diesen Tierfiguren ist inspirierend, witzig und vor allem purer Spaß. Unsere Helden aus Kunst- und Bastelmaterial fühlen sich lebendiger an als die meisten Live-Action-Charaktere. Und Anderson und Baumbach, die außerhalb ihres üblichen Steuerhauses operieren, das von allzu schlauen Oberschichtmenschen mit Oberschichtproblemen regiert wird, scheinen hier das Beste aus sich herauszuholen, was dem Film viele Möglichkeiten gibt, einer von ihnen zu sein Die am meisten unterschätzten Filme des Jahres 2009.

Einer der früheren Versuche von Hayao Miyazaki und Studio Ghibli, Mein Nachbar Totoro bleibt auch 22 Jahre später einer von Miyazakis besten.

Totoro ist die Geschichte zweier Schwestern, die im Nachkriegsjapan aufs Land ziehen. Dort treffen sie auf einen Wald voller fantasievoller Kreaturen, darunter der große Schutzgeist Totoro. Wie viele von Miyazakis Werken handelt der Film vom Aufeinanderprallen der kindlichen Unschuld und dem Beginn des Erwachsenseins und seiner harten Realität. Totoro gelingt beides aufgrund seiner üppigen, lebendigen Grafik und seiner Weigerung, sich an die gleichen Klischees des Geschichtenerzählens zu halten, die so viele westliche Animationsfilme zum Scheitern bringen. Kein Fan von Miyazaki oder Animation im Allgemeinen sollte darauf verzichten Mein Nachbar Totoro zu ihrer Bibliothek.

Dieser Film aus dem Jahr 1959, der letzte der klassischen animierten Märchen, der von Walt Disney selbst produziert wurde, war zunächst eine Enttäuschung an den Kinokassen, wurde aber als einer der größten und beliebtesten aus Disneys goldener Ära anerkannt. Dies ist das Studio in seiner ikonischsten Form, mit herumtollenden Waldkreaturen, einer trällernden Prinzessin, einer bösen Zauberin und einem hübschen Prinzen auf einem majestätischen Ross.

Voller lebendiger Farben, moderner Designs und Musik, die auf dem Tschaikowsky-Ballett basiert, sieht es anders aus und klingt anders als alle Filme davor. Die akribisch handbemalten Zellen, die von mittelalterlicher Kunst inspiriert sind, haben ein stilisiertes Aussehen und eine auffällige Palette voller ungewöhnlicher Kombinationen aus Violett, Grün, Ocker, Indigo und Fuchsia. Der abschließende Kampf zwischen Prinz Phillip und Maleficent in Form eines gigantischen Drachen bleibt eine der schönsten und aufregendsten Sequenzen, die jemals animiert wurden.

Wer hätte gedacht, dass ein animierter Sommerfilm uns alle um … feine französische Küche kümmern würde?!

Ja, treffen Sie Remy, den ersten „Feinschmecker“-Helden der Zeichentrickwelt. Als Pariser Ratte, die die Familientradition, Müll zu essen und sich im Dreck herumzuwälzen, mit der Nase rümpft, repräsentiert Remy die Art von Hauptfigur, die Pixar am besten kann: den ängstlichen, aber wagemutigen Sonderling. Fügen Sie einige absolut hinreißende Farben, einige Missgeschicke in der Küche und eine unwahrscheinliche Freundschaft hinzu, die über einer köchelnden Flamme und dem großen Gleichmacher der Menschheit (Essen!) entstanden ist, und Sie erhalten einen magisch charmanten Film darüber, wie man seinen Platz in einer Welt der harten Traditionen findet.

Ein winziger Bissen von diesem erstaunlichen Festmahl und Sie werden sofort in Ihre Kindheit zurückversetzt; als die Dinge Sinn machten und die Welt noch voller Wunder war.

Auf dem Höhepunkt der Zeichentrick-Renaissance von Disney in den frühen 1990er Jahren Der König der Löwen war ein Riesenerfolg - tatsächlich ist es nach wie vor der erfolgreichste traditionell animierte Film, der jemals veröffentlicht wurde.

Heute, im Jahr 2010, sind Simba und Scar und Mufasa bekannte Namen dank der enormen Popularität der Fortsetzungen und Soundtracks und Broadway-Stücke und all dem Rest davon, die auf dem Film basieren, aber damals im Jahr 1994, wer hätte das vorhersagen können dass diese Charaktere in das Lexikon der beliebtesten Kreationen von Disney aufgenommen würden?

Simbas Reise ins Erwachsenenalter, Vergeltung und sein rechtmäßiger Platz als König der Löwen ist keine besonders neue oder bahnbrechende Geschichte – im Gegenteil, sie ist voller Disney-Klischees (tragischer Ursprung, komische Tiergefährten, gelernte Lebenslektionen usw.). Und doch funktioniert es erstaunlich gut, vielleicht wegen der einzigartigen Atmosphäre, die den Vorgängen durch die afrikanischen Landschaften der Künstler und die perkussiven Beats der Komponisten Elton John und Tim Rice verliehen wird. Kombinieren Sie bewährte Konzepte mit neuen und interessanten Blickwinkeln – nennen Sie es den Disney Circle of Life.

Einige mögen uns verspotten, einschließlich einer so kürzlichen Veröffentlichung, aber dies war keine schwere Entscheidung für uns, wenn man bedenkt Drachenzähmen leicht gemacht ist mit Sicherheit einer der besten Filme der jüngeren Vergangenheit, animiert oder nicht.

DreamWorks hatte seitdem eine Reihe erfolgreicher computeranimierter Filme Shrek und einige waren unterhaltsam, um sicher zu sein. Aber Drachen ist das erste, das, in Ermangelung eines besseren Begriffs, ein 'Pixar-Feeling' hat. Das heißt, es funktionierte auf mehreren Ebenen, abgesehen davon, dass es nur lustig war.

Die Geschichte von Hiccup, einem unbeholfenen Kind, das versucht, sich in die Wikinger-Gesellschaft zu integrieren, in die er hineingeboren wurde, profitiert von großartigem Humor ('Es ist nicht so sehr, wie du aussiehst, es ist, was in dir steckt, was er nicht ausstehen kann'). aber auch einige überraschend emotionale Momente der Wirkung, wie wenn Hiccup sich mit Ohnezahn verbindet – einem der Drachen, die die langjährigen Feinde seines Volkes sind. Es mag ein Klischee sein zu sagen, dass etwas 'Herz' hat, aber das ist genau der richtige Ausdruck für diesen exzellenten Film.

Fische sind Freunde, kein Essen. Schauen Sie, meistens gibt es ungefähr hundert Gründe, Stunt-Voice-Casting völlig abzulehnen. Prominente, die in Animationsfilmen auftauchen, nur ihre eigenen Stimmen spielen und reguläre, talentiertere Synchronsprecher arbeitslos machen, sind erschreckend. Aber es gibt eine wenig Gelegenheiten, in denen die prominenten Stimmen, die sie bekommen, tatsächlich dazu beitragen, den Film selbst zu formen und ihn in etwas Schillerndes und Großartiges zu verwandeln. Albert Brooks und Ellen DeGeneres werden unser ultimatives Roadtrip-Duo Nemo und hat es geschafft, uns durch das, was letztendlich eine dunkle Geschichte ist, zum Lachen zu bringen.

Nemo war im Wesentlichen Vergriffen für Kinder. Wie wir in unzähligen anderen animierten Geschichten über das Tierreich gesehen haben, ist es da draußen ein Dschungel! Oder in diesem Fall ein Ozean. Pixar hat eine Unterwasserwelt geschaffen, die so schön und riesig ist, dass wir sie uns eigentlich nicht vorstellen konnten wie Marlin würde Nemo jemals finden, aber die Botschaft des Films, die irgendwo zwischen „Vorsicht bleiben“ und „Ehrgeiz annehmen“ zu finden war, war stark genug, um uns durchzubringen.

Es gibt ein paar Voraussetzungen, bevor man sich als Anime-Fan bezeichnen kann. Akira sicherlich Nummern auf dieser Liste. Einfach einer der besten Filme, die jemals aus Japan kamen, Akira bleibt ein Schaufenster für das wahre Potenzial der handgezeichneten Animation. Selten hat sich eine animierte Welt jemals substanzieller und glaubwürdiger angefühlt.

Von epischen Verfolgungsjagden und Explosionen bis hin zu der subtilen Art und Weise, wie sich ein Maschendrahtzaun unter dem Gewicht einer Person biegt, Akira ist liebevoll und aufwendig detailliert. Die Geschichte bietet viel, um den Geist zu beschäftigen, mit einer futuristischen Vision von Tokio, rivalisierenden Biker-Gangs und berauschenden Erkundungen von Macht und Verantwortung. Dieser legendäre Anime hat es in sich.

Überlassen Sie es Pixar, den besten Dreier aller Zeiten zu machen.

Die Geschichte von Andy, der aufs College wechselt und Woody und Buzz und die Bande zurücklässt, die sich in Lots-O'-Huggin' Bear mit einem großartigen, unauffälligen Bösewicht in der neuen Kindertagesstätte herumschlagen, ist die lustigste der Spielzeuggeschichte Filme. Es funktioniert als Drama, Komödie und Actionfilm – ein Trifecta des Geschichtenerzählens, an dem sich Hollywood mit Live-Action orientieren sollte. So viele Momente – Charaktermomente wohlgemerkt – gehen in den Status „großartig“ oder „perfekt“ über, und die letzten fünfzehn Minuten gehören zu den stärksten Arbeiten, die das Studio je geleistet hat. (Ein ruhiger Moment des Händchenhaltens angesichts des Entsetzens? Andys endgültige Entscheidung? Big. Fat. Tears.)

Der Film ist reines Wunder, in Freude gehüllt. Jeder, der Anti-Lob seinen Weg schleudert (*Handschuh schlägt Armond White*) ist eine Art falsche Person.

Zusammen sind Hayao Miyazaki und Studio Ghibli praktisch die Walt Disney Pictures of Japan. Fast alles, was Miyazaki herausbringt, wird von Gelegenheitspublikum und Animationsjunkies gleichermaßen verehrt. Und obwohl so viele Miyazaki-Filme großes Lob verdienen, Weggezaubert ist einfach das Beste von allen.

Die Prämisse ist einfach – ein junges Mädchen namens Chichiro begibt sich auf eine Reise durch ein fantastisches Reich, um ihre Eltern zu retten. Diese Prämisse ist Futter für abwechslungsreiche und fantasievolle Charaktere, schillernde Bilder, eine mitreißende Musikpartitur und eine charmante Geschichte über Liebe, Entschlossenheit und Erwachsenwerden. Als Gesamtpaket, Weggezaubert ist die Crème de la Crème von Studio Ghibli.

Veröffentlicht im Jahr 1993, Tim Burtons Albtraum hat sich bisher bewährt, mit mehreren Kinoneuveröffentlichungen (einschließlich einer 3D-Version), mehreren DVD-Sondereditionen, CD-Soundtracks und so viel Merchandise, dass Sie keinen Hot-Topic-Laden betreten können, ohne das Gesicht von Jack Skellington zu sehen auf alles von Gürtelschnallen bis hin zu Kölnisch Wasser.

Jack, der Kürbiskönig von Halloweentown, ist ein Held für Emo- und Goth-Teenager auf der ganzen Welt. Die Enge seines Urlaubs langweilt ihn und er möchte der Welt eine verbesserte Version von Weihnachten zeigen. Am Ende entdeckt er den Wert darin, sich selbst treu zu bleiben, und findet die Liebe zu einer hingebungsvollen Stoffpuppe namens Sally.

Obwohl Burtons Name über dem Titel erscheint (und die Idee seiner Fantasie entsprang), sollte der unterschätzte Regisseur Henry Selick zumindest einen Teil der Anerkennung für dieses Stop-Motion-Meisterwerk erhalten. Die bezaubernden Charakterdesigns, innovative Animationen und Danny Elfmans eindringliche Musikpartitur sollten den Rest erledigen.

Schneewittchen und die sieben Zwerge ist der Animationsfilm, der eine Dynastie ins Leben rief. Schneewittchen diente als erstes animiertes Feature in voller Länge. Während es damals sicherlich das Publikum begeisterte, das noch an kurze, simple Cartoons gewöhnt war, Schneewittchen behält seinen Reiz auch unter den glitzernden, auffälligeren Animationsfilmen des 21. Jahrhunderts.

Alle Filme, ob Live-Action oder Animation, sollen die Emotionen des Zuschauers ansprechen. Schneewittchen ist eine der herzlichsten und fesselndsten Bemühungen von Disney, die klassische Geschichte der Gebrüder Grimm in ein mitreißendes, familienfreundliches Abenteuer zu verwandeln. Alles, was eine Prinzessin brauchte, um ihre wahre Liebe zu finden, war eine hilfreiche Gruppe von Zwergen, ein paar eingängige Melodien und hochwertige Animationen, die bis heute Bestand haben.

Hier fing alles an. Die Pixar- und damit auch die computeranimierte Revolution setzte mit dem Erfolg der Studios richtig ein Spielzeuggeschichte im Jahr 1995.

Trotz seiner seelenlosen Ursprünge in den Nullen und Einsen einer Maschine ist der Film mit seiner universell erkennbaren Geschichte von einem kleinen Jungen und seinen Spielsachen so menschlich wie sie kommen. Oder besser gesagt, Spielzeug und ihr kleiner Junge, da der Film natürlich mehr von Woody und Buzz handelt als von ihrem Besitzer/Zentrum oder ihrem Universum, Andy – sie sind wie ein treuer Hund, dessen Hingabe an seinen Meister niemals schwankt. Wenn man darüber nachdenkt, ist dies eine im Wesentlichen tragische Neigung (wir alle wissen, was letztendlich mit unseren Kinderspielzeugen passiert ist, nicht wahr?), und sie wird von Buzz selbst verkörpert, während er sich mit der Vorstellung auseinandersetzt, dass er tatsächlich nur ein Spielzeug. Vielleicht ist das ein Teil dessen, was den Film so zugänglich macht.

Oberflächlich gesehen ist der Film einfach eine Freude – die Sprachausgabe von Tom Hanks und Tim Allen und der Rest, die erstaunliche Animation, die Songs von Randy Newman – Spielzeuggeschichte ist ganz einfach die beste Art von Hollywood-Film.

Die 1970er und 1980er Jahre waren magere Jahre für Walt Disney Feature Animation. Nachdem das Genre im Grunde erfunden und zu einer Kunstform perfektioniert worden war, litt der Ruf des Studios unter einer Reihe von unvergesslichen Filmen wie Der schwarze Kessel und Der große Mäusedetektiv . Das änderte sich 1989 mit der Veröffentlichung von Die kleine Meerjungfrau , eine Rückkehr zu den glorreichen musikalischen Fantasien von Disneys Vergangenheit.

Basierend auf einer Meerjungfrau namens Ariel, die davon träumt, ein Mensch zu werden und sich in einen Prinzen verliebt, hatte der Film alle Qualitäten eines extravaganten Broadway-Musicals und dazu eine wunderschöne Animation. Seine eingängigen Nummern des brillanten Teams von Alan Menken und Howard Ashman – wie „Part of Your World“ und „Under the Sea“ – wurden sofort zu Klassikern, die dem Disney-Erbe würdig sind. Sein Erfolg würde eine Renaissance der Disney-Animation einläuten, die das kommende Jahrzehnt dominierte.

Schauen Sie, dieser Film beweist seine Kraft innerhalb der ersten zehn Minuten! Mit nur wenigen Dialogzeilen stellt uns eine Eröffnungsmontage die Hauptfigur Carl vor und zeigt uns die Geschichte seines Lebens und seiner Liebe zu Ellie – von ihrer Begegnung als Kinder über ihre Ehe bis hin zu ihrer Unfähigkeit, Kinder zu bekommen zu ihrem Tod. Diese letzten beiden Elemente sagen Ihnen alles, was Sie über einen Film wissen müssen, in dem Pixar wieder einmal bewiesen hat, dass sie nicht mit ihrem Publikum herablassen oder vor wirklich emotionalem, kraftvollem Material zurückschrecken.

Das folgende Abenteuer für Carl und den kleinen Jungen Russell, der versehentlich mitkommt, ist sicherlich phantasievoll - Carl lässt ein ganzes Haus mit Ballons fliegen! - und doch erfüllt von unglaublich viel Pathos und Bedeutung, während wir beobachten, wie Carl oh seine Last buchstäblich auf dem Rücken trägt, während er dieses schwimmende Haus physisch durch den Dschungel schleppt, entschlossen, es an den Ort zu bringen, von dem er und Ellie geträumt haben.

Lustig, spannend und berührend, Hoch ist ein wunderschöner Film und wurde der zweite Animationsfilm, der jemals eine Nominierung für den besten Film bei den Oscars erhielt.

Das Süd Park movie tut, was das TV-to-Film-Genre selten schafft: Es bestätigt nicht nur seine Existenz als eigenständiges Feature, sondern erweitert und erweitert auch die Grenzen seines Formats auf legitim lohnende Weise.

Als sich die Kinder aus South Park in einen Film mit R-Rating schleichen, nur um mit einem neuen obszönen Vokabular nach Hause zurückzukehren, beschließen ihre Eltern und Lehrer, „Kanada die Schuld zu geben“, was bald zu einem Krieg mit unseren nördlichen Cousins und, noch schlimmer, ein Luftangriff auf die Baldwin-Brüder! Währenddessen landet der ewig dem Untergang geweihte Kenny in der Hölle, wo er erfährt, dass Satan und sein Geliebter Saddam Hussein einen eigenen Angriff planen.

Es ist alles lächerlich, nicht überraschend, aber auch urkomisch (auch nicht überraschend). Aber ob es Ihnen gefällt oder nicht, alle PTA-Mütter, die lesen, der Film ist auch eine schneidende Satire darüber, wie albern und fehlgeleitet die Kulturkriege sein können. Außerdem ist es randvoll mit wirklich lustigen und lustigen Musiknummern. Auch Furzwitze.

Bevor Brad Bird einer der Brain Trust-Gottheiten bei Pixar wurde, drehte er einen kleinen Film mit dem Titel Der Eisengigant das diente als seine Bewerbung als Most Crazy Talented Storywriter im animierten Bereich.

Hogarth freundet sich zu einer Zeit, als Sputnik die ersten Runden des Kalten Krieges ankündigte, mit einem außerirdischen Roboter an Eiserner Riese erzählt ihre Geschichte mit Blick auf diese politische Landschaft und füllt sie mit Tropen aus der Sci-Fi-Küche der 1950er Jahre.

Als der Junge seinem 30-stöckigen E.T. Um menschlicher zu werden, nähert sich die Regierung seinem neuen Freund, und es entsteht mehr als nur eine Komödie. Der Eiserne Riese ist eine wandelnde Weltuntergangsmaschine, die menschlicher wird als diejenigen, die ihn lieber abschießen würden, als zu versuchen, ihn kennenzulernen. Dieser Bogen ist vertraut, erprobt und wahr, lange bevor Bird ihm seinen Stempel aufdrückte. Aber es ist Birds Herangehensweise an das Material, seine Balance zwischen den Szenen, die animierte Kinderkost braucht, und dem, was seine Geschichte verlangt, die den Film auszeichnet. Der Film hat die Kinokassen während seines Kinostarts nicht gezündet, aber er hat seinen Preis auf DVD bekommen. Beobachten Sie es. Zweimal.

Woody und Buzz kehrten vier Jahre nach dem Original zurück Spielzeuggeschichte und haben es tatsächlich geschafft, dieses Meisterwerk mit ihren fortgesetzten Abenteuern zu übertreffen. Hier hat die Bande etwas Zeit für sich, wenn ihr Besitzer Andy ins Sommercamp aufbricht, aber sie müssen sich bald mit dem ultimativen Fanboy auseinandersetzen, einem männlichen Kind, das von Wayne Knight (Newman aus Seinfeld ), der Woody für seine Sammlung seltener Spielzeuge will.

Der Film verstärkt die technische Magie der eigentlichen Computeranimation und erhöht gleichzeitig den Fantasiefaktor, aber es sind die Pixar-Autoren, die sich einmal mehr als das wahre Herz dieser Filme erweisen. Sollte Woody das verwöhnte, versteinerte Leben wählen, das Knights Charakter ihm bietet? Wie konnte Buzz einer von sein unzählige Summen? Was ist überhaupt wirklich wichtig im Leben? Wenn Spielzeuggeschichte bewiesen, dass Computeranimation Kunst sein kann, Spielzeuggeschichte 2 festgestellt, dass das Medium hier war, um zu bleiben.

Eine der bisher besten Bemühungen von Pixar ist Die Unglaublichen . Bis 2004 waren Superheldenfilme zu einem großen Geschäft geworden, das Hunderte von Millionen Dollar auf einmal einbrachte.

Anders als die meisten, Die Unglaublichen basierte nicht auf einer bereits existierenden Comicserie. Trotzdem hat es alles eingefangen, was diese klassischen Superheldengeschichten aus der Silberzeit großartig gemacht hat. Wie die Fantastic Four sind die Incredibles weniger ein Superhelden-Team als vielmehr eine etwas dysfunktionale Familie von Weltverbesserern mit Superkräften.

Ja, der Film steckt voller Breitbild-Superhelden-Action. Der tropische Inselkampf mit den Robotern von Syndrome spielt sich ab wie der beste Bond-Film, den wir je gesehen haben, und der finale Kampf zwischen Helden und Schurken ist ein atemberaubender Anblick. Aber der Film verliert nie das Charakterdrama und den Fokus auf die Familie aus den Augen. Am Ende, Die Unglaublichen nahmen ihren Platz neben großen Superheldenteams wie den Avengers und der Justice League ein. Und doch hat nur einer von diesen dreien einen Kinofilm, den er sein Eigen nennen kann. Ergebnis eins für die Familie Parr.

Im Mittelpunkt der meisten Pixar-Filme steht das Thema Isolation. WALL-E , die Krönung des Animationsstudios, ist eine atemberaubende Meditation über Einsamkeit und die Bekräftigung, dass jedes empfindungsfähige Wesen ein unschlagbares Verlangen in sich trägt, sich mit jemand anderem zu verbinden.

Uns allen wurde in den Teasern gesagt, dass wir diesen kleinen Roboter-Bastard absolut lieben würden – und wir spotteten! Recht. Sicher würden wir. Nur weil er quietschende Geräusche macht und ein bisschen wie Johnny 5 aussieht, heißt das noch lange nicht, dass er unsere Herzen, Köpfe und einen Platz auf unserem Lunchpaket gewinnen wird. Aber raten Sie mal, wer so falsch lag? Wir alle!

Weil Pixar einfach eine Art hat, fantastische Kreaturen und Charaktere zu erschaffen, die uns alle am Herzen liegen. Und alles, was WALL-E wollte, war, die Hand eines anderen zu halten, wie er es im Musical gesehen hatte Hallo Dolly . Verdammt sei die posttrashokalyptische Welt!

Oh, und der Bösewicht des Stückes? Unsere abscheulich korrumpierte, aber unvermeidliche Zukunft als gefräßige Verbraucher. Sprechen Sie über einen dunklen Hintergrund.

Sehen Sie sich das Video unten an, um zu sehen, was unsere Nummer 1 ist ...

IAPNs bester Animationsfilm aller Zeiten