Die Top 25 Comic-Filmplakate

Ein Poster sagt mehr als tausend Worte ... besonders für eine Comicverfilmung.

Ein Film wird mit 24 Bildern pro Sekunde angesehen, was bedeutet, dass Sie in einer einzigen Sekunde 24 Film- oder Bildframes sehen. In einem zweistündigen Feature haben Sie sich also ungefähr 172.800 Bilder angesehen. Wählen Sie nun ein einzelnes Bild aus, um die anderen 172.799 darzustellen. Das ist es, was ein großartiges Poster tut.
Und ein 'großartiges Plakat' kann durch eine Reihe von Techniken zu einem solchen werden. Einige präsentieren ein einziges Bild, das die Themen, die dem Film zugrunde liegen, effektiv darstellt. Einige Plakate bieten einen flüchtigen Blick auf das Versprechen, so dass sie das Publikum zum Anschauen „reizen“. Einige legen einfach den Ton des Films fest. Wieder andere kristallisieren sich heraus, ikonische Bilder, die ganz offen gesagt „bad ass“ sind.

Für einen Comic-Film ist das Poster ein erster Blick auf das „Aussehen“ und „Gefühl“ der Adaption. Dies ist die anfängliche Bildsprache, die schließlich beliebte Comicfiguren in Leinwandstars verwandeln wird. Es ist der Haken, wenn man so will.

Es sollte beachtet werden, dass sich unsere Liste unten auf Comic-Filme konzentriert Plakate ist nur und keineswegs eine Kritik oder Wertung der Filme selbst.




#25: X-Men: The Last Stand (2006)
Das Bild: Was dieses Poster so großartig macht, ist seine Einfachheit. Das metallische „X“-Logo, mit dem die ersten beiden Filme beworben wurden und das häufig in Xaviers Villa auftaucht, ist die Grundlage. Aber die Darstellung der Nummer drei durch Wolverines Krallen macht es so viel schlimmer. Der Subtext der Platzierung der Krallen vor dem 'X' könnte auf verschiedene Weise interpretiert werden. Es könnte bedeuten, dass der beliebteste Charakter der Franchise eine wichtigere Rolle im Film spielen wird, was die Fans immer wieder gefordert haben. Es könnte bedeuten, dass Wolverine nicht nur die Geschichte, sondern auch die X-Men als Gruppe in den Vordergrund gerückt hat, als wollte er sagen, dass er in einer schützenden Rolle zwischen den X-Men und allen anderen steht. Unabhängig von der Interpretation brachte dieses Bild die Motoren von 'Mutantenliebhabern' und 'Freunden der Menschheit' gleichermaßen in Gang.



Der Kontext: Nach dem kommerziellen Erfolg und der herzlichen kritischen Aufnahme von X2 , die Erwartungen für X-Men: The Last Stand waren hoch. Leider ist der Abgang von Regisseur Brian Singer für Übermensch Kehrt zurück die Entwicklung des Films ins Trudeln bringen. Singer nahm die Autoren mit. Zahlreiche Entwürfe später und nach vielen Spekulationen wurde Matthew Vaughn erneut an ein Projekt gebunden, von dem er sich vor Bret Ratner zurückziehen würde Hauptverkehrszeit Ruhm war angebracht, um die dritte mutierte Folge zu leiten. Die Ungewissheit rund um die Entwicklung und Produktion des Films ließ Zweifel und Angst in die Köpfe der „X“-Fans auf der ganzen Welt kriechen. Und der Ruf und Stil von Ratner trugen nicht dazu bei, diese Befürchtungen zu unterdrücken. Dieses Plakat blieb ein Hoffnungsschimmer für die Regie des Films.




#24: Der Schatten (1994)

Das Bild: Der Blickwinkel auf die intensiven Augen des Helden, umrahmt von Dunkelheit, stellt die einzige Ansicht von The Shadow dar, die allgemein gesehen wird ... weil es alles ist, was er uns zu sehen erlaubt. Die niedrige Krempe seines Fedoras und seines typischen Schals verdecken den Rest seines Gesichts. Der Text 'Wer weiß, was für ein Übel in den Herzen der Menschen lauert?' ist die Linie, die durch das gleichnamige Radioprogramm aus den 1930er Jahren berühmt wurde. Die Figur ist ein Noir-artiger Pulp-Held und dieses Poster vermittelt diese Idee effektiv. Alec Baldwins Name, der über die Oberseite scrollt, fügt etwas Star-Power hinzu.



Der Kontext: The Shadow entstand aus dem „dunklen Zeitalter“ der Comicverfilmungen. Erst in den späten 90er Jahren wurden Comic-Adaptionen vollständig als tiefgründige, abgerundete Filme anerkannt und ausgeführt, die mit dem gleichen dramatischen Gewicht und der gleichen Kürze wie andere, angesehenere Genres umgehen und behandelt werden konnten. Und während sich ein Teil der Campiness der Zeit und der Rückblick auf die Radiosendung für den 'leichteren' Pinsel eignet, mit dem der Film gemalt ist, wird die Zeit selbst oft mit einem Gefühl der Nostalgie und durch eine so idealisierte Linse betrachtet. dass der Schauplatz des Films sofort einen Hauch von Fantasie verströmt. Und es ist dieser Ton, der sich für die fantastischen Elemente der Geschichte eignet.





#23: Der Raketenmann (1991)

Das Bild: Ein weiteres historisches Stück und ein Film aus den frühen 90er Jahren, der Art-Deco-Stil und die scharfen, geraden Linien geben dem Helden ein Gefühl von Bewegung und verankern den Film sofort in einer bestimmten Zeitperiode. Es ist eine Momentaufnahme eines Helden in Aktion. Tatsächlich ähnelt es fast einem Weltausstellungsplakat der damaligen Zeit oder der alten Idee eines 'Zukunftslandes'. Dieses Bild zeigt nicht nur die Ideen des Films, sondern auch die Ideale der Zeit, in der er spielt – eine Zeit, in der die Menschen mit Hoffnungen und Träumen in den Himmel blickten.



Der Kontext: Die Beteiligung von Walt Disney sorgte dafür, dass diese Adaption einen leichteren, komödiantischeren und familienfreundlicheren Ton beibehielt. Damals war der Erfolg von Indiana Jones und der letzte Kreuzzug führte zu der Hoffnung und den Erwartungen, dass eine weitere actiongeladene, historische Abenteuergeschichte beim Publikum gut ankommen würde. Das Projekt befand sich bei Disney einige Jahre lang in der Entwicklungshölle, einschließlich zahlreicher Entlassungen und Neueinstellungen der Autoren, die sich durch zahlreiche Umschreibungen mühten. Das Casting war auch intensiv und dürftig, da viele 'etablierte' Schauspieler in Betracht gezogen wurden, weil das Studio einen 'großen Namen' für den Film haben wollte. Aber am Ende wurde Bill Campbell, ein Unbekannter, für ihn geworben und besetzt, und der Rest ist Geschichte.




#22: Teenage Mutant Ninja Turtles (1990)

Das Bild: Vor diesem Film war Teenage Mutant Ninja Turtles eine Comicbuchserie, eine äußerst beliebte animierte Fernsehserie und eine Spielzeuglinie. Und was dieses Poster feststellt, ist, dass der Film keines von beidem ist. Die dunkle Farbpalette verleiht der Umgebung einen düstereren und ernsteren Ton und eine realistischere Darstellung von New York City. Der Blick auf die Helden, die unter dem Gullydeckel hervorschauen, weckt unser Interesse. Wie werden diese humanoiden Tiere auf der Leinwand dargestellt? Der Text behält den zeitgemäßen und komödiantischen Charakter der Eigenschaft bei, indem er mit „Hey Alter…“ beginnt, aber er hebt sich als etwas anderes hervor und verspricht das Neue und Ungesehene. Denn im Text heißt es weiter: '...das ist kein Cartoon.'



Der Kontext: Der Film folgte dem enormen Erfolg der Kinderspielzeugserie und des Zeichentrickfilms. Und die von Jim Hensons Creature Company entworfenen Kostüme waren damals die fortschrittlichsten Kreaturen, die er je geschaffen hatte. Das dunklere Aussehen des Films verlieh ihm eine Legitimität, die dazu beitrug, den Live-Action-Film und seine Charaktere zu erden, die im Wesentlichen Schauspieler in riesigen Gummianzügen waren. Der Film zielt auf die Videospiel-liebende Skateboard-Jugendkultur ab, schafft es aber, ältere Zuschauer mit den Action- und Kampfsequenzen sowie dem Noir-Element zu fesseln, das durch Rafaels Liebe zu Humphrey Bogart und seine Verkleidung als Humphrey Bogart veranschaulicht wird. Der Film etablierte diese fantastischen Charaktere in der Glaubwürdigkeit einer realen Welt.





#einundzwanzig: 30 Tage Nacht (2007)

Das Bild: Durch die Verwendung eines brutalen Bildes, einer Farbe und eines Stils schafft es dieses Poster, einen Ton von Wildheit, Blut und Tod zu erzeugen, den der Film zu liefern verspricht. Es ist eines der wenigen Poster, das nirgendwo weiß enthält. Das weit aufgerissene Maul des Vampirs mit Reißzähnen ist cool, auch wenn wir uns nicht sicher sind, ob es vor Befriedigung, Schmerz oder Einschüchterung offen ist. Aber es ist wirklich das Farbschema, das hier den Job macht. Nur zwei Farben. Schwarz und Rot. Was nie etwas Gutes bedeutet. Die Farbgebung ist insofern interessant, als das Rot anstelle von Weiß zu stehen scheint und das Schwarz hinter dem Kopf des Vampirs gesprenkelt ist, als würde es für das Rot stehen, das Blut wäre. Das Schwarz der Nacht, aus dem die Figur aufzutauchen scheint, beherbergt auch den kritzelartigen Text des Titels, der ein raues und ungewöhnliches Erlebnis verspricht. Das Rot wirkt fast wie ein Filter, durch den wir das Bild sehen, als ob wir diese Szene durch rot gefärbte Augen betrachten würden. Ob es das Rot des Blutdursts ist oder unser eigenes Blut, das in unsere Sicht eindringt, müssen Sie entscheiden.



Der Kontext: Während heutzutage jedes Comicbuch unter der Sonne zu einem Film verarbeitet wird, ist Steve Niles 'ausgesprochen blutige und stilisierte Geschichte über eine Vampirbelagerung in Alaska anders als alle anderen. Der Vampirstreifen wird, wie viele der Unterabteilungen von Genrefilmen, ständig als 'tot' angesehen und bleibt es, bis der nächste einfallsreiche und einzigartige Film seiner Art seinen Durchbruch schafft. Der ständige Druck, das Subgenre wiederzubeleben, lastete also auf diesem Film. Ebenso wie die Bedenken der Fans, ob der Film dem unversöhnlichen und unerbittlichen Blut, dem Blut und der Gewalt des Ausgangsmaterials treu bleiben würde. David Slade wurde ausgewählt, um den Film zu inszenieren, nachdem er kürzlich mit dem Low-Budget-Psychothriller Aufmerksamkeit erregt hatte Harte Süßigkeiten . Und er brachte den Autor dieses Films dazu, das Drehbuch neu zu schreiben, das zuvor Niles' Zustimmung gefunden hatte. Das war der Sound des Fan-Kollektivs „Schluck“. Ironischerweise hatte Niles die Geschichte ursprünglich als Film geplant, aber den Comic geschaffen, als er auf mangelndes Interesse an der Filmproduktion stieß.

#zwanzig: 300 (2006)

Das Bild: Die stilisierte Natur des Posters lässt Sie wissen, was Sie von dem Film erwarten können: Ein Haufen Spartaner kämpft und stirbt, und der Film wird das so cool wie möglich aussehen lassen. Wie der Graphic Novel hypnotisiert Sie das Poster mit seinem Stil und Glanz und lenkt Sie gleichzeitig vom Mangel an allem anderen ab. Jungs mögen Krieg. Und das Bild der Soldaten, die von der Klippe in den Tod stürzen, ist cool. Das Blut scheint danach fast über die Szene geschichtet zu werden und schafft eine andere Dimension. Und die brennende Sonne hinter den Männern markiert den kurzen, glänzenden Moment, den ein Krieger im Kampf haben kann, weil Tod und Verzweiflung im Überfluss vorhanden sind. Das Poster richtet sich mehr an Kinobesucher als an Comic-Fans, weil es auf „den Schöpfer von Stadt der Sünde “, anstatt nur Frank Millers Namen darauf zu klatschen. Aber das passt auch zum einzigartigen Stil dieses Films, im Guten wie im Schlechten.



Der Kontext: Zack Snyder (von Morgendämmerung der Toten Fame) wurde ausgewählt, um diese Adaption zu leiten, weil er einen einzigartigen visuellen Stil mitbringt und vor Gewalt auf der Leinwand nicht zurückschreckt. Der Film konnte sich einem Hype nicht entziehen. Frank Millers Name ist in der Comicbuchbranche legendär. Die jüngste Adaption seiner anderen Arbeiten war Treibstoff für das Feuer. Auch der reichliche Einsatz von Greenscreen wäre ein ständiger Kritikpunkt. Von der Darstellung mythologischer Kreaturen bis hin zu den aufschlussreichen Outfits der Männer wurde alles an dem Film unter die Lupe genommen und von Fans diskutiert. Was nur kostenlose Werbung ist.





#19: Fantastic Four: Aufstieg des Silver Surfer (2007)

Das Bild: Wenn Sie dies tatsächlich der Reihe nach lesen, ist dies das erste Fortsetzungsposter auf der Liste. Und ja, der erste Film war enttäuschend. Dieses Poster muss Ihnen also etwas so Großartiges zeigen, dass Sie an der Fortsetzung interessiert sein werden, selbst wenn Sie sich nicht für das Original interessiert haben. Und das schafft dieses Bild. Spezialeffekte und Computertechnologie ermöglichen eine genaue visuelle Darstellung einer Figur, die in früheren Jahren auf dem Bildschirm nicht effektiv dargestellt werden konnte. Dieses ikonische Bild des Silver Surfer, der direkt auf uns zufliegt, gibt uns eine Vorstellung von der Supergeschwindigkeit, mit der dieser Charakter reist. Wenn Sie ihn kennen, dann kennen Sie die gottähnliche Kraft des Charakters. Wenn nicht, dann denkst du: 'Hey, dieser silberne Typ auf einem Surfbrett sieht ziemlich cool aus.' Ein einziges Wort in der Ecke deutet an, was das Erscheinen dieses Charakters bringt. „Erhebe dich“, wird oft verwendet, um „erhebe dich“, widerstehe oder kämpfe. Dieser Silbermann bringt etwas Mächtiges und Gefährliches mit sich.



Der Kontext: Nach der etwas mittelmäßigen Reaktion auf den ersten Film, Fantastic Four: Aufstieg des Silver Surfer versprach größere und bessere Action und Bösewichte, indem der legendäre Silver Surfer in die Prämisse der Fortsetzung integriert wurde. Dies neckte die Fans auch über die Aufnahme und das Aussehen des planetenfressenden Galactus. Es ist schwierig, eine positive Resonanz für eine Fortsetzung zu schaffen, wenn der Originalfilm auf gemischte Kritiken stößt. Aber die Hinzufügung dieses silbernen Scouts war ein brennendes Streichholz unter dem lauwarmen Franchise. Die Komplexität dieser Figur und der ihn umgebenden Handlung ist so episch und großartig, dass sie die Bedeutung des Bösewichts des ersten Films, dessen Hauptmotivation lautet: „Ich will deine Freundin.“ sofort in den Schatten stellt.




#18: Weg ins Verderben (2002)

Das Bild: Ein Teil dessen, was dieses Poster so gut macht, ist das, was es nicht deutlich zeigt. Sicher, die Namen sind direkt darunter geschlagen, aber die Darstellung von Vater und Sohn ist wunderschön. Ihre Hände sind gefaltet. Ihre Gesichter sind in Dunkelheit gehüllt, was eines der Themen des Films widerspiegelt. Sie sind vom harten Regen durchnässt und von einer Lichterkette prachtvoll hinterleuchtet. Das „kalte“ Gefühl des Posters ruft das gleiche Gefühl hervor, das der Film versucht, die Emotionen der Charaktere visuell nachzuahmen. Die Gesichter sind nicht klar, aber die Namen direkt darunter lassen uns wissen, dass der Mann Tom Hanks ist. Dann müssen wir zweimal hinschauen und fragen: „Ist das Tom Hanks … mit einer Tommy-Pistole?“



Der Kontext: Nicht einer der bekannteren Graphic Novels vor dem Film, Hanks' Rolle als Attentäter ist nicht eine, die wir von dem Hauptdarsteller erwarten oder oft bekommen würden. Das Casting hat an diesem Film ebenso viel Interesse geweckt wie jeder andere Aspekt – Paul Newman und Hanks treten zum ersten Mal zusammen auf und vereinen zwei der angesehensten Schauspieler aller Zeiten. Auch die Zugabe von Jude Law schadet nicht.





#17: Konstantin (2005)

Das Bild: Der rauchige Aspekt ist der Schlüssel zum Poster, da Rauch eine zentrale Rolle im Film spielt. John Constantine ist zigarettensüchtig und das Rauchen hat zu seinem Krebs und dem bevorstehenden Tod geführt. Sie könnten leicht in das Beleuchtungsschema hineinlesen, das John größtenteils in Dunkelheit gehüllt und kaum als Silhouette dargestellt hat – eine Metapher für seine Existenz. Er ist von Dunkelheit umgeben, einer Dunkelheit, die andere nicht einmal sehen können, und versucht, in das Licht des Himmels einzutreten. Aber das Poster ist vielschichtiger als nur Licht und Dunkelheit. Im rauchigen Licht erscheinen auf subtile Weise die Bilder monströser, schreiender Dämonen. Der Text stellt auch den Konflikt her, der Konstantin mitten in den Krieg zwischen Himmel und Hölle bringt. Das Plakat repräsentiert die äußere Dualität, das heißt die Umgebung von Konstantins Existenz. Und die Dualität ist das Herzstück aller großen Heldenkonflikte.

Der Kontext: Es gab viele Diskussionen und Kritik, bevor dieser Film es überhaupt auf die Leinwand schaffte. Fans des Comics waren gelinde gesagt unzufrieden damit, dass die Titelfigur weder blond noch britisch ist wie sein Comic-Gegenstück. Der Regisseur war vor dem Film Musikvideoregisseur und das hat bei den Fans kein Vertrauen geweckt. Die Besetzung von Shia LeBouf war der Schlüssel, da er gerade erst zu sich selbst kam und anfing zu brechen. Keanu hatte den Erfolg eines anderen Sci-Fi-Actionfilm-Franchise, das ihn antreibt, und Rachel Weisz hatte mit ihren beiden mehr Mainstream-Bewunderung erhalten Mumie Filme, als es ihre dramatischeren Filme normalerweise tun. Das Casting hat den Film wirklich durch die negative Aufregung getrieben.



#16: Die Krähe (1994)

Das Bild: Die gotische Bildsprache und das Spiel mit Erwartungen sind bei diesem Poster nicht zu übersehen. Das Bild ist eine Zusammenstellung widersprüchlicher Ideen, die versprechen, Ihre Erwartungen und Archetypen herauszufordern. Unser Held wird durch einen einzigen Lichtstrahl hervorgehoben, der auf beiden Seiten von Dunkelheit umgeben ist. Dies impliziert typischerweise, dass er „gut“ (dargestellt durch das Licht) inmitten „böse“ (dargestellt durch die Dunkelheit) ist. Und der Text scheint dies zu bestätigen, indem er sagt: „Glaube an Engel.“ Aber der „Engel“ selbst widerspricht allem, was man von einem himmlischen Wesen erwartet. Er ist ganz in Schwarz gekleidet. Sein Gesicht ist bemalt wie eine Theatermaske. Seine geschwärzten Augen täuschen über eine finsterere Motivation hinweg. Seine Position suggeriert eine bedrohliche Präsenz. Dieser „Engel“ ist eindeutig hier, um zu handeln. Das Kreuzmuster auf seinem Hemd impliziert, dass etwas nicht stimmt. Eckige Linien sind nicht Standard. Sie ähneln Narben oder Schnittwunden und deuten auf seine Rückkehr von einem Kampf oder Schaden hin.



Der Kontext: Nicht viele Leute wussten davon Die Krähe Comic vor diesem Film. Tatsächlich wussten vor diesem Film nicht viele Leute so viel über Brandon Lee. Aber es würde sie beide in einer Tragödie unsterblich machen. Der Comic von James O'Barr wurde als eine Art Heilungs- und Racheprozess geschrieben, nachdem ein betrunkener Autofahrer seine Freundin getötet hatte. Lee, Sohn des weltberühmten Kampfkünstlers Bruce Lee, war ein frischgebackener Schauspieler in einigen „B“-Filmen. Aber die gotische Bildsprache, die stilisierte Gewalt und die befriedigende Rache des Films festigten sie beide in der Filmgeschichte. Ein Teil der Aufmerksamkeit des Films ist auf Brandon Lees Unfalltod während der Dreharbeiten zurückzuführen. Obwohl tragisch, speist sich der Tod des Schauspielers nur in die Themen des Films und trug dazu bei, ihn zu einem legendären Kultstatus zu machen. Die Mischung aus modernem Rock, die den Film perfekt vertont, und unerbittlicher Gewalt des R-Rated-Films half ihm, den Weg für viele der erwachseneren Comic-Filme zu ebnen, die wir heute haben.





#fünfzehn: Ironman (2008)

Das Bild: Manchmal ist Einfachheit die beste Katzenminze für Comic-Fans. Das feste Gesicht der Ironman Maske lässt keine Emotionen zu. Aber das schöne Design ist faszinierend genug. Das leuchtende Auge und die glatte metallische Rüstung geben uns einen Hinweis auf das Aussehen der vollständigen Rüstung, bitten den Betrachter jedoch, den vollständigen Anzug zu sehen. Was in den Comics oft dargestellt wird, um einen gerechten Helden zu symbolisieren, ist ein emotionsloses Gesicht. Das ausdruckslose Gesicht impliziert, dass der Held nicht von Emotionen beeinflusst wird und schnell und fair für Gerechtigkeit sorgen wird. Es ist im Wesentlichen das Gesicht der Unparteilichkeit. Oder es ist glänzend und glowy. Wie auch immer, wir graben es.



Der Kontext: Mittlerweile sind Comicverfilmungen für viele Studios zum Zeltstangenfilm geworden. Und dies sollte das nächste große Ding für Marvel werden. Jon Favreau hat als Regisseur aus seiner Arbeit an den dialogfreundlichen Typenfilmen ein treues Kultpublikum mitgebracht Swinger und Gemacht . Die Besetzung von Robert Downey, Jr. verlieh dem Film sofortige Glaubwürdigkeit und der Figur ein gewinnendes Charisma. Auch der Rest der Besetzung rundet das Ganze gut ab.




#14: Punisher: Kriegszone (2008)

Das Bild: Tolle Poster hängen nicht immer an tollen Filmen. Dies wäre ein Paradebeispiel. Aber abgesehen von der Filmqualität ist dies ein knallhartes Poster. Wieso den? Weil es ein verdammter Schädel ist, der zufällig das Logo des Helden ist … und er besteht aus Einschusslöchern. Es sieht zerkratzt und abgenutzt aus und scheint stellenweise zu rosten. Dieses Poster hat eine Textur und es ist eine von Körnung und Zähigkeit. Vielleicht ist es etwas, das der männlichen DNA innewohnt, aber wir lieben unsere Waffen und die Ansammlung von Einschusslöchern spricht dieses Macho-Ego in uns an.



Der Kontext: Es ist einfach verdammt cool. 'Nuff sagte.





#13: Laichen (1997)

Das Bild: Die Dualität von Spawn ist gut gegen böse, bis zum Äußersten. Spawn war ein Mann, jetzt ist er etwas, das darum kämpft, das Richtige zu tun, während er über Superkräfte verfügt, die ihm von Satan selbst verliehen wurden. Dies bringt Spawn mitten in den ältesten Krieg, den es gibt – zwischen Himmel und Hölle, um unsere Seelen. Dieser Kampf wird durch das Bild und den Text auf diesem Plakat begründet. Der Kopf des Helden ist größtenteils in Dunkelheit gehüllt, von der wir ihn nicht unterscheiden können. Es gibt keine Trennlinie zwischen dem Charakter und der Dunkelheit. Und der Text wiederholt diese Idee, indem er uns sagt, dass er „in der Dunkelheit geboren“ wurde. Aber ein kleiner Teil seines Gesichts ist beleuchtet. Das sagt uns, dass er nicht nur schlecht ist und dass es einen Kampf in ihm gibt. Auch hier wiederholt der Text dies, indem er uns sagt, er sei „der Gerechtigkeit geschworen“. Das leuchtend grüne Auge ist einfach genial und gruselig. Grün ist die Farbe, die gewählt wurde, um die Höllenkraft in ihm darzustellen, im Gegensatz zu dem üblicheren „Rot“. Die andere Sache, die dieses Poster tut, ist, uns genug von Spawns Gesicht zu zeigen, um uns zu zeigen, dass er kein Held ist, hinter dem man sich im traditionellen Sinne versammeln kann. Sein Gesicht ist ironischerweise nicht für ein Poster geeignet. Obwohl nur teilweise enthüllt, können wir an der totenkopfähnlichen Natur des weißen Teils, der gezeigt wird, und dem eindringlichen grünen Auge erkennen, dass dies kein Held ist, um den die Damen herumschreien. Er steht im Schatten und so wie es aussieht, gehört er dorthin.



Der Kontext: Todd McFarlane machte sich einen Namen, als er Spiderman-Comics zeichnete. Sein Stil zeigte den Helden in kantigeren und spinnenähnlicheren Posen und integrierte das Gurtband viel mehr. McFarlane verließ Marvel, um seine eigene Firma zu gründen und einen Verkaufsrekord für einen unabhängigen Comic aufzustellen Laichen . Die Anzahl der schwarzen Charaktere des Comics, einschließlich des Protagonisten, machte ihn anders als die meisten Superhelden-Charaktere der beiden großen Unternehmen. Das stilistische Artwork und die dunkleren, eher erwachsenen Themen etablierten Spawn auch als in einer eigenen Liga. Die Eingeweihten hätten die animierte Show auf HBO gesehen, die kurz vor der Veröffentlichung des Films debütierte. Es war eine düstere, dramatische und gewalttätige animierte Show, anders als alles andere im amerikanischen Fernsehen. Spawn hat bewiesen, dass es andere Superhelden gibt, die mit denen von Marvel und DC mithalten können.




#12: Transformer (2007)

Das Bild: Wie würden die Autobots und die Decepticons bei all der Technologie aussehen, die CG erreicht hat? Dies ist unser erster Blick und es enttäuscht nicht. Fans des Zeichentrickfilms können sehen, dass das Profil von Optimus Prime den Wurzeln der Figur treu bleibt, während die Bildsprache nach heutigen technologischen Standards neu interpretiert wird. Das Ergebnis ist ein wunderschön detailliertes Gesicht, dessen Komplexität wir aufgrund der Nähe des Profils auf eine nie zuvor erkannte Weise erkennen können. Thematisch verrät der Text, dass es sich um einen der Guten handelt und das kleine Bild der Stadt im Hintergrund verrät, dass er ein Beschützer von uns Menschen ist. Aber die Verkleinerung der Stadt deutet auch auf die Erhabenheit und Größe dieser „Roboter“ sowie auf den enormen Umfang und Umfang hin, den der Film annehmen wird.



Der Kontext: Jahrzehnte nachdem die Spielzeuglinie nach Amerika kam ... lange nach der ursprünglichen Zeichentrickserie, dem Animationsfilm und den nachfolgenden Neuinterpretationen, unterdurchschnittlichen Cartoons und Spielzeuglinien ... endlich ein Live-Action-Spielfilm. Als Belohnung für die Treue und zweifellos ein Marketingtrick, kehrte Peter Cullen, ein erfahrener Synchronsprecher und ehemaliger Sänger der klassischen Zeichentrickserie, zurück, um Optimus Prime Leben einzuhauchen. Dies war wahrscheinlich die größte Casting-Ankündigung des Films, zumindest in den Augen der Fans. Michael Bay meinte sofort größer und … na ja, größer. Es schadete auch nicht, Amerikas neueste Faszination, Shia Lebouf, und eine brandheiße Megan Fox dabei zu haben.





#11: Der unglaubliche Hulk (2008)

Das Bild: Dieses Poster hatte die Aufgabe, die Erinnerungen an den ersten Hulk-Film aus den Köpfen der Zuschauer zu vertreiben. Das Poster stellt effektiv die Zugehörigkeit des Films zum Comic und zur Fernsehshow her. Du kennst die Figur inzwischen. Aber die Bilder bis hin zu Nortons Jeanskleidung implizieren, dass der thematische Ansatz des Films eng an den der TV-Show angelehnt sein wird, die sich auf Bruce Banners ständiges Reisen und seinen Kampf konzentrierte, um ein Heilmittel zu finden und gleichzeitig Menschen auf dem Weg zu helfen. Die große grüne Maschine hinter ihm unterstreicht die Ungeheuerlichkeit und Massivität des Hulk und repräsentiert die physische Dualität des Charakters. Die Dynamik von Bruce und Hulk als zwei Seiten der Medaille, Logik und Vernunft versus Instinkt und Emotion sowie die „schurkische“ Verfolgung durch das Militär wird in den Bildern vermittelt.



Der Kontext: Seit Ang Lees Kassenfehler beim ersten Mal war ausreichend Zeit vergangen Hulk Spielfilm. Dieser Film erholte sich jedoch immer noch von dem finanziellen Scheitern des Films und versuchte, sich von dem bitteren Geschmack der Enttäuschung zu distanzieren, der in den Mündern der Fans zurückblieb, und beschloss, die Existenz des vorherigen Films aus der Kanone und hoffentlich aus den Köpfen der Kinobesucher zu entfernen. Edward Norton markierte eine Verbesserung sowohl des Talents als auch der Starpower und verlieh dem Film sofort Glaubwürdigkeit. Die Hinzufügungen von Tim Roth und William Hurt unterstützten auch das Konzept von Talent über Star-Appeal. Upgrades im CG und eine Geschichte, die auf die Themen der TV-Show zurückgriff, markierten eine neue Richtung für die große grüne Maschine.




#10: Spider-Man 3 (2007)

Das Bild: Was tun Sie, um die sehr erfolgreichen weiterzuverfolgen? Spider Man 2 und das Interesse der Fans wieder einmal steigen lassen? Sprechen Sie einen der beliebtesten Bösewichte im Spider-Vers an. Gift. Die Saga des schwarzen Spider-Man-Kostüms ist eine der beliebtesten der 90er Jahre. Die Pose unseres Helden erinnert an einen Wasserspeier, der auf einem Hochhaus thront und die Stadt bewacht. Oder sitzt er da und wartet darauf, die bloßen Sterblichen unten anzugreifen? Die schwarze und graue Farbpalette verspricht, dass der Film dunkler sein wird als die beiden vorherigen und die Nöte und Streitigkeiten fortsetzen wird, die Peter Parker ständig bedrängen. Der Regen und der dunkle Himmel tragen auch dazu bei, das melancholischere Gefühl zu erzeugen, das den Film unterstreichen wird, im Gegensatz zu den rosigen Rot- und Blautönen, an die wir gewöhnt sind.



Der Kontext: Nach der weithin erfolgreichen Fortsetzung war die Messlatte hoch und der Himmel die Grenze. Nach Gerüchten um die Rückkehr der Stars und der Schurken für den Film Spider-Man 3 auf die Strecke und die Fans sabberten überall. Der zweite Film erweiterte die Beziehung zwischen Mary Jane und Peter, während er die Action und den Humor fortsetzte. Da Fortsetzungen so oft enttäuschend sind, ließen der Erfolg und die Zustimmung der Fans des zweiten Films die Leute glauben, Raimi und Maguire könnten nichts falsch machen. In den zweiten Film wurden Handlungsstränge geschichtet, die dramatisches Handlungsmaterial für den dritten lieferten. Der zweite Film öffnete mehr Dinge, als er schloss, und ließ uns die Tage bis zum nächsten Hit in den Kinos zählen. Die Meinungen zum dritten sind gemischt, da er auf viel Kritik stößt, obwohl er an den weltweiten Kinokassen mehr Geld verdient als jeder der ersten beiden.





#9: Batman beginnt (2005)

Das Bild: . Zum ersten Mal seitdem Fledermäuse als Gerät innerhalb des Films verwenden Batman kehrt zurück , zeigt das Poster, dass Nolans Film eine völlig neue Glaubwürdigkeit besitzt. Die Schlichtheit des hellbraunen Lichttons zeichnet ihn aus und lässt Sie wissen, dass dies nicht der neonbeleuchtete, kindorientierte Batman der Vergangenheit ist, und nicht einmal der hypergotische Batman von Tim Burton. Typischerweise werden große Namen auf Plakate geklopft, um sie mit Starpower zu verkaufen. Aber die Namen auf dem Poster, obwohl ziemlich bekannt und hochkarätig, implizieren, dass die Schauspielerei in dem Film Priorität hat. Dies sind preisgekrönte, talentierte Schauspieler, die nicht nur den Körper der Figur, die sie darstellen, bewohnen, sondern sich darin verlieren und so zur Figur werden, dass der Zuschauer die Off-Screen-Persona vergisst. Es gibt mehr bankfähige, hochkarätigere Namen, die für dieses Poster hätten ausgewählt werden können. Doch das Engagement für die Schauspieler unterstreicht die Ernsthaftigkeit, mit der die Filmemacher an das Projekt herangegangen sind.



Der Kontext: Acht Jahre seit dem letzten Batman-Film, Beginnt dient als Neustart und stellt sicher, dass dies kein Batman aus Witzen und Einzeilern wird. Keine Fledermausnippel. Dies ist keine Welt, die es uns erlaubt zu glauben, dass ein Batman existieren könnte. Vielmehr ist es ein Batman, von dem wir glauben, dass er in unserem existieren könnte. Der Film forderte die populäre Herangehensweise an Comic-Filme heraus und erweiterte das Genre.




#8: Unzerbrechlich (2000)

Das Bild: Technisch gesehen kein Comic-Film in dem Sinne, dass er nicht von einem bereits existierenden Comic-Buch adaptiert wurde, ist der Film eine Hommage an Comics, stellt sie prominent dar und verwendet die Comic-Buch-Struktur und Archetypen als Rückgrat, während er die vertrauten Vorstellungen von dekonstruiert Held und Bösewicht des Genres. Es gibt nichts an der Platzierung oder dem Design des Posters, das darauf hindeutet, welcher dieser Männer ein Held und welcher ein Bösewicht sein wird, oder dass sie beides sind. Beide Gesichter sind halb beleuchtet und halb im Dunkeln. Wieder einmal zeigt dies das bekannte Thema der Dualität, das fast jeden Helden und die meisten guten Schurken durchdringt. Der gebrochene Stil des Textes ergänzt das Glas wie die Risse, die die beiden Männer trennen. Der Titel weckt unser Interesse. Wer oder was ist unzerbrechlich? Und der Text unten lockt uns mit dem Versprechen, eine verborgene Wahrheit zu enthüllen. Natürlich wollen wir die Wahrheit. Die einzelne „umhangene“ Figur, die in Dunkelheit gehüllt ist und die Mitte des Posters einnimmt, könnte Held oder Bösewicht und beides sein. Aber es gibt etwas Faszinierendes und Beängstigendes an einer Person, deren Gesicht wir nicht sehen können, eine Identität, die wir nicht unterscheiden können. Die Ungewissheit nervt und verunsichert. Auch die Ironie des Wortes unzerbrechlich, scheinbar zerbrochen zu sein, sollte dem Betrachter nicht entgehen.



Der Kontext: M. Nights Fortsetzung des Blockbuster-Erfolgs von Der sechste Sinn , brachte den Regisseur erneut mit Bruce Willis zusammen, diesmal mit Samuel Jackson als Co-Moderator. Es ist ein Film, bei dem es genauso um Comics geht wie um einen Comic-Film. Jacksons Mr. Glass, ein Liebhaber von Comics, zerlegt die Bildsprache, die üblicherweise verwendet wird, um Helden und Schurken in diesem Genre darzustellen. Was die meisten Zuschauer erst viel später erkennen, ist, dass die Diagnose auf ihn und Willis' Charakter in genau dem Film zutrifft, in dem sie auftreten. Die Charaktere bevölkern die reale Welt und verwischen die Grenzen zwischen Kunst, die das Leben nachahmt, und umgekehrt. Die „Superkräfte“ und Schwächen der Charaktere werden mit solcher Ernsthaftigkeit behandelt und der gesamte Film basiert auf den Tragödien und Katastrophen des wirklichen Lebens, die gewöhnliche Menschen treffen. Obwohl oft abgetan, ist es der letzte große Film, den Shyamalan als sein M.O. des 'Twist'-Endes wurde nach diesem Film offensichtlich und vorhersehbar.




#7: Eine Geschichte der Gewalt (2005)

Das Bild: Das wettergegerbte „Jedermann“-Gesicht von Viggo Mortensen, geteilt durch den Lauf einer Waffe, ist die perfekte Metapher für einen Film über einen Mann, dessen durchschnittliches, gewöhnliches Leben mit seiner gewalttätigen Vergangenheit kollidiert. Der Text neckt uns mit der vertrauten Vorstellung von der Last des Helden und sagt: „Tom Stall hatte das perfekte Leben … bis er ein Held wurde.“ Es ist ebenso wichtig, dass die Waffe nicht nur sein Gesicht taucht, sondern tatsächlich einen Teil seines Gesichts verdeckt. Zusammen mit dem Titel impliziert dies, dass es sich um eine Dokumentation vergangener und gegenwärtiger Gewalt handelt. Und es gibt einen Teil von Viggo, der geheim und vor den Augen verborgen bleibt. Auch Maria Bello, die sich im Hintergrund abzeichnet, gibt ihm etwas zu verlieren. Die Person, die die Waffe führt, ist nicht sichtbar, aber interessanterweise ist es die Waffe im Vordergrund und der Held und seine Geliebte im Hintergrund. Interessant, weil die Waffe die Gewalt seiner Vergangenheit darstellt, die mit seinem gegenwärtigen Leben kollidiert, zu dem auch Maria gehört. Es kann festgestellt werden, dass der bewölkte Himmel, der über uns hereinrollt, andeutet, dass Probleme eingetroffen sind. Und es ist offen für Interpretationen, ob der Blick auf den klaren Himmel hinter Maria der ruhige Himmel der Vergangenheit oder der Zukunft ist.



Der Kontext: Ein weiterer, 'kleinerer' Graphic Novel, der weniger Hype auf die Filmveröffentlichung aufgebaut hat als ein Superheldenfilm. Wie die anderen, weniger bekannten Graphic Novels auf der Liste zeigt auch dieser, dass Graphic Novels außerhalb der kinderfreundlichen Nachfrage der beiden großen Labels bereit sind, dunklere und erwachsenere Themen mit einem Auge auf Gewalt zu erforschen, die realistisch und unversöhnlich dargestellt werden . Dasselbe leistet der Film, denn die R-Rated-Story scheut die Gewalt nie, verherrlicht sie nie und stilisiert sie nie. Es wird als das kalte und wilde Tier dargestellt, das heißt, in langen Einstellungen, die die Bilder der Gewalt festhalten, anstatt das typischerweise bevorzugte 'Abschneiden'. Stattdessen sehen wir durch den Filter der Charaktere die Auswirkungen und Folgen der Handlungen. Das düstere Material und Thema wurde in die fähigen Hände von David Cronenberg übergeben, und die exzellente Besetzung mit talentierten Schauspielern anstelle von bankfähigen Starnamen sollte als zunehmend überraschend in einem weniger erkennbaren Anwesen erwähnt werden. Der Film schafft es, die im Ausgangsmaterial eingeführten Ideen und Themen durch eine etwas einfachere Handlung, aber größere Komplikationen und Charaktererforschung zu erforschen.




#6: Wächter (2008)

Das Bild: Es wird als die berühmteste Graphic Novel aller Zeiten bezeichnet. Das Poster kombiniert den Look des Comics und des Films mit dem gelben Schriftzug auf der Seite und dem Live-Action-Bild von Rorschach. Die Noir-Kleidung und der Designstil spiegeln die dunklen und unheilvollen Zeiten wider, die in Comics und Filmen dargestellt werden. Der Text ist perfekt repräsentativ für den Film, denn so etwas sieht man nicht auf einem Comic-Filmplakat. Es ist gewalttätig und wütend und lässt Sie fragen, ob die Figur, die Sie sehen, ein Held oder ein Bösewicht ist. Und genau darum geht es in der Geschichte, um Fragen. Hinterfrage alles. Die Figur, die diese Fragen antreibt, wurde ebenfalls von der Figur The Question inspiriert. Aber die Umgebung ist real und düster und deprimierend. Das Plakat zeigt Ihnen keinen Helden mit einem Hoffnungsbild. Es zeigt dir die Welt, wie sie sein könnte, und einen Mann, der sich damit nicht zufrieden gibt. Meistens erweckt das Poster die Comic-Seite zum Leben und zeigt, wie die Bilder auf der Seite auf den Bildschirm übertragen werden.



Der Kontext: Nun, der Film kommt erst nächstes Jahr heraus, aber es hat lange gedauert. Die seit langem dokumentierte Abneigung und Missbilligung von Verfilmungen durch den Autor und Mitschöpfer von Wächter , Alan Moore, ist seit geraumer Zeit gut dokumentiert und öffentlich bekannt. Da er (wohl) als der einflussreichste – oder gefeiertste oder beste oder welches Adjektiv auch immer Sie wählen – Graphic Novel aller Zeiten angesehen wird, ist er seit langem eine begehrte Eigenschaft, um auf der Leinwand zu erscheinen. Seit 20 Jahren befindet sich das Projekt in der Entwicklungshölle und war zu verschiedenen Zeiten mit vielen großen Namen verbunden, darunter Terry Gilliam, der die komplexe Geschichte als nicht verfilmbar bezeichnete. Darren Aronofsky und Paul Greengrass waren an unterschiedlichen Stellen angebracht. Studiostreitigkeiten und Budgetkämpfe behinderten das Projekt jahrelang. Zack Snyder übernahm schließlich die Regie dank seiner Arbeit an 300 und Fortschritte in der CG-Technologie machten zweifellos einige der Bilder des Buches machbarer. Außerdem ist das Comic-Filmgenre in den 20 Jahren seit seiner Veröffentlichung gewachsen und hat sich zu einem Ort entwickelt, an dem viel mehr möglich ist. Und die Vorfreude auf den Film wächst weiter, je näher der Veröffentlichungstermin rückt.





#5: Batman kehrt zurück (1992)

Das Bild: Das Abzeichen der Fledermaus repräsentiert alles, was den Kreuzritter mit dem Umhang ausmacht. Ein Wesen der Nacht. Aus der Dunkelheit. Eine mysteriöse, geflügelte Kreatur, die der Held sowohl nachahmt als auch benutzt, um einen Erben des Mysteriums und der Angst zu erschaffen. Der in das Symbol gepuderte Schnee sieht cool aus und verleiht dem Logo eine Schicht Tiefe und Dimensionalität. Aber es signalisierte auch, dass Burtons Fingerabdrücke in diesem Film prominenter erscheinen würden. Gerade abgeschlossen Edward mit den Scherenhänden , war klar, dass Burtons noirischer Ton, gemischt mit idealisierten, traumartigen Bildern in einer Hyperrealität, dieses Mal großzügiger erscheinen würde. Das Poster zeigt auch das Trio aus Fledermaus, Katze und Pinguin, das – in seiner Kinderreim-ähnlichen Einfachheit – Sie wissen lässt, wer die Spieler sind.



Der Kontext: Nach einem anschließenden Rückgang der Kasseneinnahmen und der Qualität aus dem Übermensch Filme, Tim Burtons Batman entzündete die Flamme der Comic-Filme neu. Der Erfolg der dunkleren, gotischeren Herangehensweise an Batman ermöglichte Burton mehr kreative Kontrolle über die Fortsetzung und die Vorfreude auf weitere Schurken von Batman, die im Film erscheinen würden, wuchs. Das Versprechen war einfach und Treibstoff für das Feuer der Fans. Keine Untertitel. Kein lahmer Slogan. Einfach einfach, Batman kehrt zurück .




#4: V wie Vendetta (2005)

Das Bild: Der Text ist diesem Poster wichtiger als jedem anderen auf der Liste. Der brillante Satz aus Alan Moores Roman regt zum Nachdenken an, was für ein Poster, geschweige denn für einen Film, selten ist. Aber es unterstreicht den revolutionären Charakter des Films. Es ist nicht notwendig, dass wir in diesem Film die Front oder das Gesicht des Helden sehen, weil das nicht wichtig ist. Der Film handelt von Ideen und Idealen. Und V ist einfach ein Symbol oder ein Botschafter dieser Ideen. Der Text ist nur eine Erinnerung.



Der Kontext: Der Film, ein weiterer von Alan Moores bekannteren Titeln, erregte aus einer Reihe von Gründen Aufmerksamkeit. Natalie Portman rasiert sich den Kopf. Die Beteiligung der Wachowski-Brüder nach einer unterdurchschnittlichen Darstellung in der Matrix Fortsetzungen sowie ihre Wiedervereinigung mit Agent Smith selbst, Hugo Weaving. Die Geschichte, die ursprünglich Anfang der 80er Jahre über eine korrupte autoritäre britische Regierung veröffentlicht wurde, zog erhebliche Vergleiche mit zunehmenden Ängsten und Kritik an der derzeitigen Bush-Regierung in Amerika. Der Film und das Comicbuch sind beide eine seltene und brillante Mischung aus ihrem Genre und politischen Themen, die normalerweise eher 'intellektuellem' Material vorbehalten sind.





#3: Der dunkle Ritter (2008)

Das Bild: Der Satz vom Joker wurde zur Idee für die Filmkampagne. Die bizarre, mörderische Natur des Charakters vermischt mit seinem Aufflackern für die theatralische Färbung dieses Bildes aus mit Blut geschriebenem Text, eindringlich entsetzlich. Aber es ist das Smiley-Gesicht, das folgt, das wirklich betont, worum es bei der Figur geht. Er ist ein mörderischer Psychopath, aber das Schlimmste ist, dass er es genießt. Das Milchglas gibt uns eine grundlegende Vorstellung vom Aussehen des Jokers, ohne zu viel zu verraten. Es reicht gerade aus, um das Interesse zu wecken, da wir seine weiße Clown-Gesichtsbemalung und sein grünes Haar erkennen können. Seine Frage liegt dem fundamentalen Unterschied zugrunde, der den Konflikt zwischen ihm und unserem Helden auslöst. Der Joker lebt vom Chaos. Und Batmans Motiv ist es, die Ordnung in Gotham wiederherzustellen.



Der Kontext: Batman beginnt brachte das Franchise von den Toten zurück. Und es war tot. Die Resonanz von Publikum und Kritik war überwältigend. Und der Film etablierte einen neuen Standard sowohl für Comicverfilmungen als auch für Ursprungsgeschichten. Der Film schuf einen Helden, der in der realen Welt existieren könnte, anstatt den üblichen Ansatz, eine ganze alternative Welt zu schaffen, die die Existenz des Helden zuließ. Der Hype und die Spekulationen um die Fortsetzung begannen fast unmittelbar nach dem Abspann des Films. Wer wären die Bösewichte und wer würde sie darstellen? Sobald die Bösewichte bestätigt waren, war es der Joker, der am wichtigsten war. Alle von Jack Nicholson porträtierten Fans spekulierten ständig über die Herangehensweise des Films an den langjährigen Feind. Die ersten Reaktionen auf Ledgers Casting waren alles andere als optimistisch. Aber als mehr über seine Herangehensweise und Darstellung ans Licht kam, erwärmten sich die Fans für ihn. Als dieses Poster erschien, schwärmten die Fans bei der Aussicht auf Ledgers Joker im Nolan-Batman-Universum. Die einzigartige Kampagne, die sich auf die Zerstörung und Gesetzlosigkeit des Jokers konzentrierte, die ins Chaos stürzten, war auf den Plakaten zu sehen, die von dem Verrückten „verwüstet“ zu werden schienen. Und Ledgers Darstellung in dem Film ist nichts weniger als phänomenal und macht ihn mit Abstand zum erfolgreichsten Comic-Film aller Zeiten.




#2: Spider-Man 2 (2004)

Das Bild: Nicht allzu viele der Damen schaffen es auf das Plakat. Aber das zeigt Ihnen nur, wie wichtig Mary Jane und ihre Beziehung zu Peter/Spider-Man für die Geschichte sind. Der schwüle, verschwitzte MJ, der sich mit der Stadt im Rücken an Spider-Man klammert, ist ein Comic-Klassiker. Allein das Bild des jungen Paares ist faszinierend. Aber zwei andere Dinge erschweren das Plakat. Das Genie der Spiegelung im Auge von Spideys Maske ist einer. Wir sehen „Doc Ock“ und es erinnert uns daran, dass diese beiden niemals ein normales Leben führen können. Sie können nicht einfach glücklich sein, weil immer eine Gefahr oder ein Bösewicht vor ihnen lauert. Und das einzelne Wort „Opfer“, das die Oberseite ziert, sagt alles. Im Wesentlichen zeigt uns dieses Poster die beiden Welten des Helden im Konflikt. Die Frau seiner Träume, die er liebt, klammert sich förmlich an ihn. Während der Bösewicht, der droht, alles wegzunehmen, nie weit entfernt ist. Petrus wird immer Opfer bringen müssen. Und dieses Plakat erinnert uns daran, zeigt aber nicht, was das sein wird. Nur dass unser Held weiterhin von schweren Entscheidungen geplagt wird, was einer der Gründe ist, warum wir ihn lieben.



Der Kontext: Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung war Spider-Man das größte Comicbuch an den Kinokassen. Es brach eine Menge Rekorde und bereitete die Fans auf die Fortsetzung der Saga vor. Der Jedermann-Appeal des Web-Slingers und sein familienfreundlicher Ton trugen dazu bei, den Film in den Status eines „Blockbusters“ zu katapultieren. Die liebenswerte Sympathie der Hauptdarsteller und ihre Chemie auf der Leinwand sorgten für eine romantische Dynamik, die nur wenige Comic-Filme erfolgreich integrieren. Das junge Alter unseres Helden trug auch dazu bei, das stets einflussreiche, jüngere Publikum an die Kinokassen zu bringen. Fortsetzungen müssen größer und besser werden, weil sie nicht den gleichen „Wow“-Faktor haben wie ein erster Film. Spider Man 2 versprochen, diese Dinge zu erreichen, indem sie das Leben und die Beziehungen unseres Helden weiter verkomplizieren.





#1: Supermann (1978)

Das Bild: Das 'S' ist eines der bekanntesten und ikonischsten Bilder der Unterhaltung. Einfach dieses Wappen auf ein Poster zu kleben weckt sofort Interesse. Wenn man es vor einen Wolkenhintergrund stellt, entstehen alle möglichen Metaphern. Man könnte die engels- oder gottähnliche Macht von Superman interpretieren. Ein anderer könnte sein, dass er vom Himmel kommt, um die Menschheit als unser Retter zu „retten“. Die Unschärfe von Rot, Gelb und Blau zeigt eine Momentaufnahme des Mannes, der schneller ist als eine rasende Kugel. Seine Geschwindigkeit erscheint uns Normalsterblichen nur als farbiger Fleck. Aber es ist der Text auf der Unterseite, der die Bedeutung und ehrfurchtgebietende Größe des Posters festigt. 'Du wirst glauben, dass ein Mann fliegen kann.' Dieses Poster steht für alles, worum es bei Comicbüchern und Comicverfilmungen geht. Es setzte das „Super“ in „Superheld“. Es forderte uns heraus, an das Unvorstellbare zu glauben. Es repräsentiert die Macht und Pracht des Bereichs der Möglichkeiten. Superman umfasst viele Ideen, einschließlich der anhaltenden Faszination und Besessenheit des Menschen, der Schwerkraft der Erde zu trotzen. Wir fühlen uns eingesperrt und eingeschränkt, weil uns eine unsichtbare Kraft an die Oberfläche des Planeten bindet. Die Insignien, die Unschärfe, die Wolken repräsentieren alle die totale Freiheit von unseren irdischen Zwängen.



Der Kontext: Es war das erste. Dieser Film ebnete den Weg für alle kommenden Comicverfilmungen. Es machte einen relativ unbekannten Schauspieler überall zu einem gebräuchlichen Namen und festigte seinen Platz in der Geschichte. Der Film brachte die Technologie des Filmemachens voran. Es erweiterte die Diskussion darüber, was in einem Film getan werden kann. Es bereitete den Tisch für die Zukunft der Anpassung anderer Comic-Eigenschaften. Es wurde zum Maßstab für Comic-Filme. Es legte die Form für das Genre fest, als dieser Film das gesamte Genre einkapselte. Es gab keine Comicverfilmungen. Eben Superman. Es zeigte uns einen großartigen Charakter, eine großartige Geschichte und was Comics, die einst als Brei und ausschließlich für Kinder gedacht waren, leisten können. Wie sie ein Filmpublikum übersetzen könnten. Wir wussten damals noch nicht einmal, dass es ein Vorbote für alles sein würde, was kommen würde. Also beim Anschauen Der dunkle Ritter nächste Woche auf DVD oder schau vorbei Wächter Erinnern Sie sich nächstes Jahr an dieses Bild und diesen Film ... weil es alles möglich gemacht hat.

Da ist es also. Wenn Sie aus irgendeinem bizarren Grund nicht mit jedem einzelnen Wort einverstanden sind, das wir zu sagen haben, beschweren Sie sich im Kommentarfeld. Oder einfach weiter laut schreien.