WARNUNG: Dieses Interview enthält kleinere Spoiler zur Charakterentwicklung sowie Schlüsselthemen der Handlung. Disney-Filme, insbesondere ihre Zeichentrickfilme, neigen immer dazu, ein Ereignis zu sein. Vielleicht liegt es daran, dass Walt und sein Vermächtnis seit mehr als sechs Jahrzehnten hochwertige Animationen erstellen. Oder vielleicht liegt es daran, dass Disney eines der wenigen Filmstudios in Hollywood ist, das immer noch religiös Unterhaltung im Familienstil auf die Beine stellt. Das neueste Projekt des Studios, Lilo & Stich , ist so etwas wie eine Rückkehr in die goldene Ära von Disney, wenn auch mit einem ausgesprochen modernen Touch. Eine verblüffende Kombination aus unkonventionellem (und manchmal gewagtem) Humor und altmodischen Animationstechniken (dies ist der erste Disney-Film, der Aquarellhintergründe seit über sechs Jahrzehnten verwendet) Lilo & Stich ist gleichzeitig eine Hommage an die alten Disney-Animationsfilme und ein Vorbote dessen, was in Zukunft aus dem Studio kommen wird. Der Film ist die Kreation des Autoren-/Regieteams Chris Sanders & Dekan DeBlois , zwei Jungs, die zuvor nur als Storyboarder, Produktionsdesigner bzw. Co-Leiter der Story an Filmen wie gearbeitet hatten Mulan , Der König der Löwen , und Die Schöne und das Biest .Die Geschichte ist eine Mischung aus alten B-Movie-Sci-Fi-Klischees, die mit sehr modernen (und fast unDisney-ähnlichen) Ansichten über das Familienleben (kann man sagen, dysfunktional?) durchdrungen sind. Kurz gesagt, Stitch, der zufällig blau ist, ist ein abtrünniger Außerirdischer, der auf der Erde abstürzt und vorgibt, ein Hund zu sein. Er wird von Lilo adoptiert, einer frühreifen jungen Hawaiianerin. Von dort aus entfalten sich die Heiterkeit und Missgeschicke. Dean DeBlois, zusammen mit dem Produzenten Clark Spencer , schwang vor kurzem durch San Francisco und mietete sich für einen Tag voller Lob der Presse im noblen Ritz Carlton ein. Spence D., Korrespondent von FilmForce in San Francisco, schaffte es, sich mit dem Duo ein wenig zu streiten und kam so zum Kern ihres kreativen Prozesses Lilo & Stich .
IAPN FILMFORCE: Was war die Psychologie hinter Stitchs Farbgebung? Gab es einen bestimmten Grund, warum Sie sich entschieden haben, ihn blau zu machen? DEAN DEBLOIS: Ha-ha-ha-ha! Es kam tatsächlich zu einem Punkt, an dem er so ganz anders aussah als ein Hund, dass wir uns einfach entschieden, den ganzen Weg damit zu gehen. Wir haben bemerkt, dass einige der Hunde drin sind Dame und der Landstreicher waren in einem seltsamen Schieferblau gefärbt. Ursprünglich, in Chris' ersten Illustrationen, war er etwas grün, aber wir dachten, das wäre etwas zu übertrieben. Also fingen wir an, ihn ein bisschen mehr in Richtung Grau zu ziehen. Zuerst war also eines der Farbmodelle grau, er sollte einfach ein graues, hundeartiges Koala-Ding sein. Und dann haben wir uns irgendwie auf der blauen Seite von Grau geirrt. Aber wir fanden das okay, weil das Ding sowieso keiner anfassen will. Er wird von den meisten Menschen außer Lilo als eine Art seltsamer und monströs aussehender Hund anerkannt. Also haben wir einfach mitgemacht. IAPNFF: Das ist cool. Ich meine, der Hulk begann ursprünglich grau und entwickelte sich zu grün¿ CLARK SPENCER: Es ist eigentlich ein Prozess, bei dem man es einfach immer wieder ansieht, und glücklicherweise kann man Zeit damit verbringen und viele verschiedene Variationen machen, bis man auf etwas landet, bei dem man sagt: „Okay, das ist die richtige Farbkombination.“ DDB: Seine visuelle Entwicklung entwickelte sich mit seinem Verhalten. Zuerst dachten wir: „Er versucht, sich wie ein Hund zu verhalten, also sollte er sich zumindest wie ein Hund benehmen, und sie wird versuchen, ihn als Hund auszubilden.“ Und wir dachten, dass es eine Menge geben würde Komödie, um daraus zu kommen. Am Ende begannen die Leute zu vergessen, dass er ein Alien war und zu viel Zeit damit verbrachte, sich wie ein Hund zu benehmen, und wir dachten, dass wir ihn über die Adoptionsszene in dieser Tierrettung hinaus einfach er selbst sein lassen und die Leute entsprechend handeln können. Lilo hält ihren Hund einfach für sehr schlau, weil er auf zwei Beinen herumlaufen und das tun kann, was er tut. Aber für alle anderen sind sie wirklich eingeschüchtert und wollen es nicht anfassen. IAPNFF: Der Koala-Einfluss zeigt sich im Aussehen der Figur, aber es schien auch viele krabben- und spinnenartige Bewegungen in Stitch zu geben. DDB: Wir hatten unseren Supervising Animator Alex Kupershmidt gebeten, ihm viele aufregende Bewegungen zu geben. Die Idee mit Stitch ist, dass er entweder wirklich süß oder wirklich ärgerlich aussehen kann. Er geht immer diese Linie. Und wir dachten, bei seiner Bewegung sollte es genauso sein. Also hatte er viele unerwartete insektenartige Bewegungen, die cool und einfach abstoßend sind. IAPNFF: Einer der coolsten Aspekte der Animation, zumindest für mich, ist, dass man nicht mit Schauspielern arbeiten muss, sondern die Bilder effektiv so manipuliert, wie man sie haben möchte. Sie sind praktisch der Meister des Films. Sie haben dies beide kurz angesprochen, als Sie sagten, dass Sie viel Zeit hatten, um die Farbe von Stitch zu bestimmen. In gewisser Weise sind Sie in der Lage, die Richtung des Charakters zu diktieren, ohne den Input eines gereizten Starschauspielers hören oder sich mit seinem Ego auseinandersetzen zu müssen. Sie sind wie ein Diktator des modernen Kinos, der in der Lage ist, Ihre eigene Vision zu verwirklichen, da Sie nicht diese Art von äußerem Einfluss von den Schauspielern haben. DDB: Ha-ha-ha-ha-ha! Ich denke, in gewisser Weise müssen wir uns immer noch auf unsere Animatoren verlassen, um die Aufführung durchzuführen, von der wir alle sprechen. In diesem Fall haben wir unsere Skripte mit einem Storyboard versehen, damit wir ihnen sehr spezifische Visuals geben und sagen können: „Hier ist die Aufschlüsselung der Aktion, die wir für diese bestimmte Szene wollen.“ Aber letztendlich liegt es an der Aufgabensitzung, in der Sie sich hinsetzen und sagen , „Okay, du wirst diesen Charakter in dieser Szene spielen und das ist es, was wir wirklich erzählen müssen.“ In gewissem Sinne liegt es an ihnen, wie sie es einbringen. Wir können über bestimmte Bewegungen sprechen, aber wir haben das weitgehend ihrer Interpretation überlassen, und sie bringen ihre schauspielerische Einstellung in die Szene und versuchen, das rüberzubringen. IAPNFF: Also sind die Animatoren sozusagen Schauspieler. DDB: Recht.
IAPNFF: Apropos Schauspieler, Daveigh Chase, das Mädchen, das Lilo spricht, wurde aus einem offenen Casting ausgewählt. Aber dann haben Sie Tia Carrere, Ving Rhames und Jason Scott Lee. Wie viel davon war das Ergebnis von Casting-Aufrufen und wie viel war das Ergebnis davon, dass Sie Storyboards erstellt und dann Ving oder Tia in Ihren Köpfen „gehört“ haben, die die Figur verkörpern? CS: Die Charakterdesigns in diesem Film stammen zum größten Teil aus einem Original-Bilderbuch, das Chris Sanders gemacht hatte. Die Entwürfe waren also sehr früh fertig. Wir hatten also bereits ein gewisses Gefühl dafür, welche Art von Stimmen Sie diese Charaktere spielen lassen wollten. Also gehen Sie immer durch und listen Ihre drei oder vier besten Leute auf, die zu der gleichen Art von Sound oder Gefühl passen. Im Fall von Ving Rhames war es interessant, weil die ursprüngliche Figur Cobra Bubbles so nicht im Drehbuch stand. Er war Sozialarbeiter, aber er war eher der erwartete Sozialarbeiter, ein nervöser, verklemmter, magerer Typ. Und vom Standpunkt der Geschichte her funktionierte es nicht wirklich, also sprachen die Jungs darüber, das Unerwarteteste zu tun, was man für einen Sozialarbeiter tun könnte, nämlich jemanden wie Ving Rhames einen Sozialarbeiter spielen zu lassen. Darüber haben wir gescherzt, dass er eine Art Terminator der Sozialarbeiter wäre und der Typ, den man ruft, wenn alles schief geht. In diesem Fall entstand das Design also tatsächlich aus der Idee, Ving Rhames zu haben. Aber das war wirklich die einzige Figur, die im Film entstand, indem man zuerst die Stimme hatte und dann die Figur darum herum baute. Die anderen kamen irgendwie zuerst als Charakterdesign und dann haben wir die Stimmen gefunden, die am besten dazu passen. Mit jemandem wie Tia Carrere wollten wir wirklich jemanden aus Hawaii finden, der diese Art von lokalem Flair und Sound in die Aufführung einbringt. DDB: Und dann empfahl sie Jason Scott Lee. Wir hatten über den Charakter von David gesprochen und wie ihr Charakter mit ihm interagieren würde, und sie war unnachgiebig bei „Holen Sie sich Jason Scott Lee! Er hat eine großartige Stimme und er kommt aus Hawaii und er wird in der Lage sein, all Ihre Drehbuchzeilen zu nehmen und ihnen diesen lokalen Touch zu verleihen.¿ Was er auch getan hat. IAPNFF: Der ursprüngliche Story-Pitch fand in Kansas statt. Dann habt ihr es auf Hawaii umgestellt. War das nur, damit Sie einen Killerurlaub / Location-Scouting-Trip aus Disney herausquetschen konnten? DDB: Ha-ha-ha-ha-ha! Der allererste Pitch handelte von einem Außerirdischen irgendwo in einem Wald und seine gesamte Interaktion betraf diese Waldbewohner, die nichts mit ihm zu tun haben wollten. IAPNFF: Wie Bambi trifft E.T. ? DDB: Sowas in der Art. Es war eine süße kleine Geschichte, die Chris in den 80er Jahren als Kinderbuch entwickelt hatte. Und er wusste, dass es als Kinderbuch wirklich nirgendwo hingehen würde, also legte er es einfach beiseite, bekam seinen Job bei Disney und arbeitete ein paar Jahre lang. Schließlich waren wir gerade mit Tom Schumacher, dem Präsidenten unserer Abteilung, fertig Mulan An diesem Punkt sagte er: „Hast du irgendwelche Ideen, die du vorschlagen möchtest?“ Also sagte Chris: „Ich habe diese hier“, und er sprach mit ihm darüber. Und Tom sagte: „Wie wär's, wenn du es in die Menschenwelt bringst?“ Also ging es um einen Jungen in Kansas. Wir brauchten eine ländliche Umgebung. Wir waren irgendwie über das ganze Epos hinweg und haben versucht, tausend Charaktere auf dem Bildschirm zu orchestrieren. Wir wollten etwas machen, das sehr charaktergetrieben und von kleinem Umfang ist. Das war ungefähr zu der Zeit, als Chris mir zum ersten Mal erzählte, woran er arbeitete, und wir begannen, es quasi rund um die Uhr zu entwickeln. Es ist geschichtsträchtig und hat eine exotische Qualität. Es ist also ein bisschen Nordamerika in seiner Sensibilität und auch das alte Hawaii ist dort noch wirklich präsent. Es war also eine tolle Mischung. Und nein, es war nicht so eigennützig mit dem ganzen Trip-Ding, aber [die Höheren waren wie] ¿Hawaii, eh? Also, wann ist die Reise, Leute?¿ Aber das Seltsame daran, und es war unvorhergesehen, war, dass die Reise nach Hawaii uns tatsächlich das riesige Hauptthema des Films gab. Es ging immer um Familie und diese zerstörerische Kraft, die in eine zerbrechliche, zerfallende Familie eindrang und ihre Zerstörung beschleunigte, aber dann genug von der Idee einer Familie beeinflusst wurde, die er am Ende verwandeln konnte. Aber erst als wir nach Hawaii gingen, wurden wir mit der Idee von „Ohana“ konfrontiert, und das ist etwas, das die Hawaiianer mit sich herumtragen. Es ist lebendig und präsent und es ist diese alles verkörpernde Philosophie, dass, wenn Sie mehrere Inseln entfernt leben, Sie genauso mein Bruder und meine Schwester sind wie mein direkter Bruder und meine Schwester. Wir stehen alle zusammen und zählen in Krisenzeiten aufeinander. Es war eine wirklich nette Idee, weil es der Idee der unkonventionellen Familie, wie wir sie kennen, die Türen öffnete. Und dass ein Außerirdischer genauso Teil einer Familie sein könnte wie zwei Elternteile und 2,5 Kinder. Es war also eine nette Idee, weil es den Begriff der Familie erweiterte. Wenn Sie die Idee übernehmen und die Philosophie hochhalten und schützen, dann können Sie ein Teil davon sein.
IAPNFF: Was ich an dem Film besonders interessant fand, ist, dass Sie, während Sie die Konzepte der Familienwerte weit über das normale Spektrum des Disney-Universums hinaus erweitern, gleichzeitig eine stilistische Verbindung zu den goldenen Tagen des Studios bewahrt haben. Ich meine, die Verwendung von Aquarellhintergründen ist sowohl ein Rückblick auf die alten Tage der Disney-Animation als auch eine Art Schneide, zumindest in Bezug auf den heutigen Animationsstil. Was hat das veranlasst? DDB: Wir haben Disney versprochen, dass wir im Austausch dafür, dass wir einen mutigeren Film machen und eine andere Art von Geschichte annehmen können, die völlig originell ist und nicht auf einer Legende oder einem Märchen basiert, dass wir einen Film mit kleinerem Budget und kleinerer Crew machen würden , weniger Zeit, um es zu machen. Es handelte sich also um ein neues Modell. Und die Tatsache, dass wir unsere Hände nicht sauber halten würden, wir würden da reingehen und es selbst schreiben, es selbst storyboarden und wirklich da reinkommen, sobald die 350 Leute kamen, um dem Film zu helfen, wir würden dabei sein da sein und wirklich interaktiv sein und sicherstellen, dass der Film intelligenter und schneller gemacht wurde und wir überall Neuinterpretationen vermieden haben. Ein Teil davon war, wenn dies eine neue Art von Film sein sollte, eine neue Art des Geschichtenerzählens für Disney, lass es auch einen anderen Look haben. Also haben wir die Idee einer Art technologischen Fortschritts für unsere Filmkulisse beiseite gelassen. Wir wollten nicht mit Spezialeffekten und Schatten und Tönen über die Charaktere blenden und all diesen Realismus oder diese Dimensionalität anstreben. Wir wollten zu den Filmen zurückkehren, die uns inspiriert haben. Filme wie Dumbo und Bambi . Sie sahen viel einfacher aus und ich denke, sie machen das, was traditionelle 2-D-Animationen am besten können, nämlich den Eindruck eines zum Leben erweckten Märchenbuchs zu vermitteln. Wir haben nicht versucht, Tiefe zu erreichen, und wir wollten nicht mit einer 3-D-Optik konkurrieren. Wir wollten zu etwas Reichem und Strukturiertem zurückkehren, und Sie können die Hand des Malers auf dem Bildschirm sehen. Daher die Idee des Aquarells, das seit den frühen 1940er Jahren nicht mehr gemacht wurde Dumbo hat uns wirklich angesprochen, es hatte diesen Bilderbuch-Look. Und wir hatten ein Team von Hintergrundmalern in Florida, die als Maler sehr versiert sind und sagten: „Wie wäre es mit Aquarell?“ Und es gab viele Neinsager und es wurde lange angenommen, dass dies bei einer regelmäßigen Produktion einfach nicht möglich wäre Zeitplan, geschweige denn unser beschleunigter Produktionsplan. Aber wir ermutigten sie, es zu versuchen, und sie gingen los und experimentierten ein wenig. Und ein paar Wochen später malten sie Hintergründe, die genauso magisch aussahen wie die aus den 30er und 40er Jahren. Dies wurde teilweise durch die Tatsache unterstützt, dass sich unser Art Director Ric Sluiter mit Maurice Noble traf, der einer der ursprünglichen Hintergrundmaler war Schneewittchen zurück in den 30er Jahren und sie sprachen darüber, welche Art von Farben sie verwendeten, welche Art von Papier und Tipps, was man vermeiden sollte. Die Folie hat also dieses tolle nasse, verwaschene Gefühl, das auch perfekt für Hawaii ist. Lilo und Stitch kommt diesen Freitag, den 21. Juni in die Kinos. . Die offizielle Seite kann gefunden werden hier .
